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Una de las noticias de la pasada D23 (la conferencia anual de Disney) ha sido el anuncio de una nueva atracción sobre Indiana Jones en la que, por primera vez, se usará la cara de Harrison Ford. Sin embargo, ya hay una atracción que usa la cara del Dr. Jones y la historia es bien curiosa. Y es que en 1995, Disneyland inauguraba Indiana Jones Adventure: Temple of the Forbidden Eye. Para promocionarla, Disney encargó a Drew Struzan, el ilustrador que había realizado los míticos pósters de las películas de Indiana Jones. Pero había un problema: Disney, aunque tenía licencia de Lucasfilm para usar el personaje, no tenía derecho a usar la cara de Harrison Ford.

Drew Struzan es, para muchos, el “tercer padre” de Indiana Jones: después de Geoge Lucas y Steven Spielberg, sus pinceles fijaron la imagen mental que tenemos del arqueólogo aventurero. Sus pósters de En busca del arca perdida, El templo maldito y La última cruzada construyeron el imaginario visual de la franquicia. Así que cuando llegó el encargo del póster de la atracción de Disneyland, Struzan se encontró con un lío legal curioso. Según ha explicado el propio ilustrador en varias ocasiones, Disney no tenía liberado el uso de la imagen de Harrison Ford para ese póster concreto. Podía pintar a Indiana Jones, pero no a Harrison Ford como Indiana Jones. Struzan, sin embargo, consideraba que no tenía sentido pintar a Indy sin su cara. Para él, separar al personaje del actor era traicionar la esencia de lo que llevaba años dibujando.

Ayer la grandísima Dolly Parton falleció a la edad de 80 años, dejando una larga carrera de éxitos musicales (“Jolene” y “I will Always love you”, escritas el mismo día, como referencias). Y las redes se están llenando de recuerdos bellos y positivos sobre su carrera, pero también de su obra más allá: como la donación de los royalties de la versión de I Will Always Love You de Withney Houston a causas benéficas para la comunidad afroamericana, o su campaña por la lectura infantil Dolly Parton’s Imagination Library.

A mi hay un dato que me ha sorprendido, y que me ha rimado con otro. En paralelo a sus éxitos, Dolly Parton fundó una productora y produjo Buffy, cazavampiros (tanto la TV-movie como la serie)… al igual que Lucille Ball, a través de su productora Desilu, puso en marcha Star Trek.

Si un podcast deja de tener un feed de audio ¿sigue siendo un podcast? RTVE creó Open Play, un contenedor dentro de su iniciativa RTVE Play de contenidos solo para internet, fichando algunos podcast existentes y haciendo que dejen de tener un feed rss (conocido). ¿Para qué sirve fichar un podcast si no arrastras a su audiencia? Vamos a ver el problema y la solución.

Open Play se estrenó el pasado octubre, pero se me acumulan lo podcast que no había escuchado, así que cuando he llegado a los episodios de octubre me he dado cuenta que había algunos que no tenían episodios nuevos y me ha parecido raro. En concreto me refiero a los episodios de El Mundo Today de La Palestra Candente. ¿Cuanta gente no se ha dado cuenta del cambio?

Yo, a pesar que valoro muy positivamente el impulso de los contenidos RTVE solo online para púbico que no consume en la televisón lineal, hay cosas que no entiendo, quizá sean limitaciones de diseño de la plataforma y aún no se les ha ocurrido evolucionarla por ahí. Tampoco entiendo esta evolución de los podcasts, poco a poco, a programas de televisión enlatados, eso ya no es un podcast, y lo es menos si no te puedes suscribir desde una aplicación externa para que te avise cuando hay contenido nuevo (me da igual si es vídeo o solo audio, no voy a ser purista, aunque yo solo quiero audio).

La canción de Cheers lo dejaba claro: “where everybody knows your name”, y es el remate genial de este capítulo de How I Met Your Mother titulado “Swarley” (2×07), en el que todo arranca en una cafetería donde escriben mal el nombre de Barney. Este es uno de esos episodios que los fans de las sitcoms adoran por sus guiños geniales, en el mismo episodios, a clásicos como Friends y Cheers.

Entrada ya la segunda temporada, la serie ya había despegado y todo estaba más engrasado. Se hablaba ya que esta serie era la sucesora natural de Friends, ya que unía a varios amigos en las treintena en Nueva York. Mucho se ha especulado que el arranque es una puya a Friends para intentar diferenciarse de esta.

Pero, según comentan en el podcast que están realizando actualmente, fue mera necesidad narrativa que el arranque fuera en una cafetería (estilo Starbucks, donde escriben el nombre en el vaso). Allí sueltan un comentario sobre que quedar en una cafetería no es igual de divertido. Curiosamente, el guionista de este capítulo, Greg Malins, fue guionista también en Friends durante algunas temporadas.

Y para rematar el capítulo, el guiño Cheers. Cuando “Swarley” entra al bar, todos gritan su nombre al unísono, suena la mítica canción “Where Everybody Knows Your Name” y hasta los créditos cambian de fuente para imitar los de la serie de Sam Malone.

En este caso no hay relación de guionistas, sino un sentido homenaje.

Y como bola extra, en este capítulo tenemos a Morena Baccarin interpretando a Chloe un personaje episódico como interés amoroso de uno de los protagonistas.

Es muy raro leer en el New York Times la noticia de que el gobierno USA (en concreto el Departamento de Estado) dejará de usar la fuente Calibri y volverá a la Times New Roman. La fuente Times New Roman se creó para ser usada en periódicos en papel en el siglo XX, usándose en el New York Times… pero en el siglo XXI usar Calibri es mejor opción para lograr una lectura accesible en dispositivos electrónicos.

De entre todas las políticas que está haciendo la administración Trump, destaca una reversión en temas de accesibilidad e inclusión… y esta vuelta al pasado se ha convertido en una batalla también por el tipo de letra.

Times New Roman nació para periódicos impresos en el siglo XX y se hizo omnipresente gracias a Microsoft Word. Su diseño con serif funcionaba muy bien en papel ya que con menos tinta se leía bien el texto, pero no tanto en pantallas medianas o pequeñas, donde los remates finos pueden generar ruido visual y cansancio.?

Así, cuando el Departamento de Estado adoptó Calibri en 2023, su objetivo fue mejorar la lectura en pantalla, especialmente para personas con baja visión y otras necesidades de accesibilidad. Y es que Calibri es una sans serif pensada desde el inicio para monitores, con letras más redondeadas, mayor separación y menos detalles que se pierdan al reducir el tamaño.? El cambio no era un simple capricho estético, sino una forma de reducir barreras de lectura en un ecosistema del presente dominado por pantallas. Entre sus ventajas:

• Mejor legibilidad en tamaños pequeños: su diseño optimizado para píxeles hace que las letras se vean más limpias y consistentes, sin bordes que parezcan “rotos”.?
• Más amable para baja visión y lectura prolongada: organizaciones y guías de accesibilidad mencionan Calibri entre las fuentes recomendadas para usuarios con baja visión, por sus formas abiertas y buena altura de x.?
• Menos fricción tecnológica: al ser fuente por defecto en Microsoft Office durante muchos años, usar Calibri reducía problemas de compatibilidad y mantenía documentos más consistentes entre equipos y dispositivos.?

En 2025, el Departamento de Estado ha decidido volver a Times New Roman 14 pt para todos sus documentos, presentando la decisión como un retorno a la tradición, la formalidad y la “decorum” institucional. Esta vuelta atrás responde más a una batalla simbólica contra las políticas DEI, de diversidad y accesibilidad, sin ninguna nueva evidencia sobre legibilidad o usabilidad.?

Mientras tanto, las recomendaciones de accesibilidad siguen insistiendo en la importancia de elegir fuentes fáciles de leer, con buen contraste y tamaño suficiente, en lugar de aferrarse a estilos heredados solo por costumbre. La pregunta de fondo es si la apariencia “tradicional” debe pesar más que la experiencia real de lectura de todas las personas, incluidas las que tienen dificultades visuales.?

Así, desde el pasado 11 de diciembre, las comunicaciones oficiales del Departamento de Estado se realizan en Times New Roman 14pt, con algunas excepciones en Courier New (letra de ancho fijo) para documentos jurídicos específicos.

Este movimiento no es sobre “qué queda más elegante” o “como transmitimos valores del pasado”, es directemente un ataque a toda la población que ve mermada su accesibilidad por este retroceso.

En septiembre de 2011 se estrenó en Japón el anime Tiger & Bunny, una serie que rápidamente captó la atención del público. Masafumi Nishida fue su showrunner y Masakazu Katsura se encargó del diseño de personajes. Esta serie es un curioso caso sobre publicidad digno de estudio de hasta donde puede llegar el product placement.

Ambientada en un mundo futurista, la historia sigue a un grupo de superhéroes que combaten el crimen mientas son celebridades mediáticas, sus hazañas se retransmiten en directo para deleite del público. Con un toque de humor, los protagonistas son un veterano superhéroe que está por retirarse (Tiger) y un joven con el que le emparejarán (Bunny).

Lo que resultó chocante es la integración de la publicidad dentro de su narrrativa, ya que las marcas que aparecen en la misma son marcas del mundo real: Pepsi, Bandai, SoftBank, Amazon… En otras producciones esto suele aparecer de manera incidental, aquí es parte de su universo. Las marcas aparecen decorando las armaduras, las ropas y los vehículos de los superhéroes como auténticos patrocinadores de estos.

El product placement (emplazamiento de producto) no es un concepto nuevo en televisión o el cine, se lleva viendo desde sus mismos orígenes. Y ya actualmente en muchas series y películas es algo habitual, desde la cocina de Médico de Familia, hasta los guiños irónicos en The Truman Show. Sin embargo lo de esta serie va un paso mas allá.

Curiosamente, en su paso a su emisión por streaming por Netflix, todos estos patrocinios visibles en la versión original han desaparecido, reemplazados por objetos sin marca, dejando las armaduras con espacios en blanco. Quizá por un tema regulatorio o porque las marcas solo tenían contrato para ser mostradas en un territorio, incluso sería innecesario hacer publicidad de estas marcas fuera de Japón.

Para la segunda temporada de la serie, se anunciaron muchos de sus patrocinadores, unos para la primera tanda de capítulos y otros para la segunda. Que además, se apuntaron a publicitar la serie desde sus redes.

Bola Extra: IA product (re)placement

Con el avance de la inteligencia artificial y las técnicas de edición digital, el product placement ha adquirido una nueva dimensión. Hoy es posible insertar marcas en películas, series o videojuegos de manera dinámica y personalizada, adaptando los productos a distintas audiencias o mercados sin necesidad de regrabar escenas. Esto se logra mediante algoritmos de IA que reconocen elementos en movimiento, superficies y contextos, permitiendo reemplazar un logotipo o un objeto por otro de forma convincente y casi imperceptible.

Así, una misma serie puede mostrar productos diferentes según la región geográfica, el perfil del espectador o incluso acuerdos comerciales posteriores a la producción original, transformando la publicidad audiovisual en un proceso flexible, escalable y altamente segmentado.

¿Qué puede tener en común la trilogía Millenium de Steigg Larson y la 13 Rue del Percebe? El pintor catalán Gino Rubert.

En España, para las portadas de las ediciones realizadas por el Editorial Destino se utilizaron las ilustraciones realizadas por el autor catalán. Figuras de mujeres estilizadas con grandes cabezas en blanco y negro y ropa de impactante rojo.

Si nos vamos a la obra de Gino Rubert, podemos ver que estas imágenes son parciales de grandes obras que realiza, con gran inspiración entre “El Jardín de las Delicias” de El Bosco y “13 Rue del Percebe” de Ibañez.

Por cierto, que interesante el origen de (y la controversia con Vázquez) de la famosa página cómica.

Via: 13 Rue Bruguera | El rincón de Mortadelón

La “caja tonta” nació cuadrada. Su tubo emitía imágenes en blanco y negro en una superficie altamente curvada y cuadrada que podía estar en el salón de la casa. Posteriormente consiguieron que llegara el color, pero la forma, aunque se consiguió aplanar algo la imagen seguía siendo la de un tubo de rayos catódicos que le daba mucho culo y seguía siendo cuadrada (bueno, en una proporción de 4 unidades de ancho por 3 de alto). El cine, mientras tanto, pasó de ser en blanco y negro cuadrado a ser color y ancho (y cada vez más ancho).

Cuando se quería emitir una película en televisión había dos opciones: poner bandas negras arriba y abajo para cubrir el espacio que dejaba la imagen alargada o recortar a los lados para que ocupara todo el alto (pan & scan). Mientras, las series para televisión ya se pensaban para ser emitidas en 4:3. Pero en los años 90 hubo una tendencia en rodar algunas series en formatos panorámicos (y en película cinematográfica, no en vídeo), aunque sabiendo que partes de la imagen serían recortadas para televisión. Con la llegada de las pantallas planas, con formatos panorámicos 16:9, se ha podido aprovechar este material para poder reeditarlas y de paso escaneando el material en calidad HD (o superior). Vamos a ver algunos casos y las peculiaridades de este paso, algunos aciertos y algunos problemas.

Es muy curioso cuando los actores de una película o serie hacen de personas normales que se meten a actuar y lo hacen mal. Es una capa interesante de dificultad, intentar aparentar que eres una persona sin preparación haciendo precisamente lo que estás haciendo. También son interesantes cuando el mundo del espectáculo se mira el ombligo y te muestra “por detrás” un rodaje o un teatro y se confunde la ficción con la meta-ficción. Un ejemplo recientes sería Barry, con un asesino a sueldo descubriendo su vocación teatral.

Este verano se ha estrenado la película Deep Cover, que tiene unos actores de improvisación como parte central de la trama, y aprovechando vamos a ver otras apariciones de la impro como parte de la trama de series y películas.

The Office

El papanatas de Michael Scott (Steve Carell) empieza a dar clases de impro (2×09 – E-mail Surveillance), sólo para demostrar que es el peor improvisador del mundo, imponiendo sus propuestas sacando siempre unas pistolas.

Cuando empezó en su carrera como actor, el artista de Queens estaba tan flipado con la improvisación que se fue a Chicago, a la escuela más importante de de USA: The Second City. Es famosa por ser la cantera de muchos cómicos de SNL, ya que por esta escuela han pasado actores y actrices como Tina Fey, Steve Carrell o Bill Murray… Según cuenta, un día fue a ver un show en el que Chris Farley le interpretó a él. Pero sus sueños de convertirse en improvisador de la compañía se vieron frustrados cuando a pesar de sus cualidades y su tiempo de formación no fue elegido en el elenco principal.

Unos años después hizo la película Swingers (de la que hablamos sobre el plagio que sufrió), en la que escribió el guión inspirado en su vida en Chicago y ahí despegó su carrera como actor. En esta, muchos de las conversaciones son improvisadas sobre un esquema prefijado por guión, dándole frescura a la química entre los actores.

Cuando dirigió la película Chef en 2004 (que también escribió y protagonizó), dio libertad a todo el elenco para improvisar. Ahí podemos ver a John Leguizamos y Sofía Vergara en conversaciones que se sienten vivas.

En 2008 fue el director de Iron Man (reservándose el papel de Happy Hogan) y ahí se estableció como uno de los grandes directores del mundo friki. Uno de sus aciertos fue dejar que Robert Downey Jr. hiciera suyo el personaje y dejarle improvisar algunos de los momentos más memorables y que lanzaron el MCU.

El resto de la carrera de Favreau ya es más conocida por todos, especialmente en la dirección (The Mandalorian), y seguramente podremos ver la frescura de dejar a un actor o actriz improvisando escenas en futuros proyectos…

Bola Extra: Jon Favreau en Friends

En 1996 interpretó en Friends al novio multimillonario de Mónica.