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Una de las noticias de la pasada D23 (la conferencia anual de Disney) ha sido el anuncio de una nueva atracción sobre Indiana Jones en la que, por primera vez, se usará la cara de Harrison Ford. Sin embargo, ya hay una atracción que usa la cara del Dr. Jones y la historia es bien curiosa. Y es que en 1995, Disneyland inauguraba Indiana Jones Adventure: Temple of the Forbidden Eye. Para promocionarla, Disney encargó a Drew Struzan, el ilustrador que había realizado los míticos pósters de las películas de Indiana Jones. Pero había un problema: Disney, aunque tenía licencia de Lucasfilm para usar el personaje, no tenía derecho a usar la cara de Harrison Ford.

Drew Struzan es, para muchos, el “tercer padre” de Indiana Jones: después de Geoge Lucas y Steven Spielberg, sus pinceles fijaron la imagen mental que tenemos del arqueólogo aventurero. Sus pósters de En busca del arca perdida, El templo maldito y La última cruzada construyeron el imaginario visual de la franquicia. Así que cuando llegó el encargo del póster de la atracción de Disneyland, Struzan se encontró con un lío legal curioso. Según ha explicado el propio ilustrador en varias ocasiones, Disney no tenía liberado el uso de la imagen de Harrison Ford para ese póster concreto. Podía pintar a Indiana Jones, pero no a Harrison Ford como Indiana Jones. Struzan, sin embargo, consideraba que no tenía sentido pintar a Indy sin su cara. Para él, separar al personaje del actor era traicionar la esencia de lo que llevaba años dibujando.

Ayer la grandísima Dolly Parton falleció a la edad de 80 años, dejando una larga carrera de éxitos musicales (“Jolene” y “I will Always love you”, escritas el mismo día, como referencias). Y las redes se están llenando de recuerdos bellos y positivos sobre su carrera, pero también de su obra más allá: como la donación de los royalties de la versión de I Will Always Love You de Withney Houston a causas benéficas para la comunidad afroamericana, o su campaña por la lectura infantil Dolly Parton’s Imagination Library.

A mi hay un dato que me ha sorprendido, y que me ha rimado con otro. En paralelo a sus éxitos, Dolly Parton fundó una productora y produjo Buffy, cazavampiros (tanto la TV-movie como la serie)… al igual que Lucille Ball, a través de su productora Desilu, puso en marcha Star Trek.

En septiembre de 2011 se estrenó en Japón el anime Tiger & Bunny, una serie que rápidamente captó la atención del público. Masafumi Nishida fue su showrunner y Masakazu Katsura se encargó del diseño de personajes. Esta serie es un curioso caso sobre publicidad digno de estudio de hasta donde puede llegar el product placement.

Ambientada en un mundo futurista, la historia sigue a un grupo de superhéroes que combaten el crimen mientas son celebridades mediáticas, sus hazañas se retransmiten en directo para deleite del público. Con un toque de humor, los protagonistas son un veterano superhéroe que está por retirarse (Tiger) y un joven con el que le emparejarán (Bunny).

Lo que resultó chocante es la integración de la publicidad dentro de su narrrativa, ya que las marcas que aparecen en la misma son marcas del mundo real: Pepsi, Bandai, SoftBank, Amazon… En otras producciones esto suele aparecer de manera incidental, aquí es parte de su universo. Las marcas aparecen decorando las armaduras, las ropas y los vehículos de los superhéroes como auténticos patrocinadores de estos.

El product placement (emplazamiento de producto) no es un concepto nuevo en televisión o el cine, se lleva viendo desde sus mismos orígenes. Y ya actualmente en muchas series y películas es algo habitual, desde la cocina de Médico de Familia, hasta los guiños irónicos en The Truman Show. Sin embargo lo de esta serie va un paso mas allá.

Curiosamente, en su paso a su emisión por streaming por Netflix, todos estos patrocinios visibles en la versión original han desaparecido, reemplazados por objetos sin marca, dejando las armaduras con espacios en blanco. Quizá por un tema regulatorio o porque las marcas solo tenían contrato para ser mostradas en un territorio, incluso sería innecesario hacer publicidad de estas marcas fuera de Japón.

Para la segunda temporada de la serie, se anunciaron muchos de sus patrocinadores, unos para la primera tanda de capítulos y otros para la segunda. Que además, se apuntaron a publicitar la serie desde sus redes.

Bola Extra: IA product (re)placement

Con el avance de la inteligencia artificial y las técnicas de edición digital, el product placement ha adquirido una nueva dimensión. Hoy es posible insertar marcas en películas, series o videojuegos de manera dinámica y personalizada, adaptando los productos a distintas audiencias o mercados sin necesidad de regrabar escenas. Esto se logra mediante algoritmos de IA que reconocen elementos en movimiento, superficies y contextos, permitiendo reemplazar un logotipo o un objeto por otro de forma convincente y casi imperceptible.

Así, una misma serie puede mostrar productos diferentes según la región geográfica, el perfil del espectador o incluso acuerdos comerciales posteriores a la producción original, transformando la publicidad audiovisual en un proceso flexible, escalable y altamente segmentado.

¿Qué puede tener en común la trilogía Millenium de Steigg Larson y la 13 Rue del Percebe? El pintor catalán Gino Rubert.

En España, para las portadas de las ediciones realizadas por el Editorial Destino se utilizaron las ilustraciones realizadas por el autor catalán. Figuras de mujeres estilizadas con grandes cabezas en blanco y negro y ropa de impactante rojo.

Si nos vamos a la obra de Gino Rubert, podemos ver que estas imágenes son parciales de grandes obras que realiza, con gran inspiración entre “El Jardín de las Delicias” de El Bosco y “13 Rue del Percebe” de Ibañez.

Por cierto, que interesante el origen de (y la controversia con Vázquez) de la famosa página cómica.

Via: 13 Rue Bruguera | El rincón de Mortadelón

La “caja tonta” nació cuadrada. Su tubo emitía imágenes en blanco y negro en una superficie altamente curvada y cuadrada que podía estar en el salón de la casa. Posteriormente consiguieron que llegara el color, pero la forma, aunque se consiguió aplanar algo la imagen seguía siendo la de un tubo de rayos catódicos que le daba mucho culo y seguía siendo cuadrada (bueno, en una proporción de 4 unidades de ancho por 3 de alto). El cine, mientras tanto, pasó de ser en blanco y negro cuadrado a ser color y ancho (y cada vez más ancho).

Cuando se quería emitir una película en televisión había dos opciones: poner bandas negras arriba y abajo para cubrir el espacio que dejaba la imagen alargada o recortar a los lados para que ocupara todo el alto (pan & scan). Mientras, las series para televisión ya se pensaban para ser emitidas en 4:3. Pero en los años 90 hubo una tendencia en rodar algunas series en formatos panorámicos (y en película cinematográfica, no en vídeo), aunque sabiendo que partes de la imagen serían recortadas para televisión. Con la llegada de las pantallas planas, con formatos panorámicos 16:9, se ha podido aprovechar este material para poder reeditarlas y de paso escaneando el material en calidad HD (o superior). Vamos a ver algunos casos y las peculiaridades de este paso, algunos aciertos y algunos problemas.

Es muy curioso cuando los actores de una película o serie hacen de personas normales que se meten a actuar y lo hacen mal. Es una capa interesante de dificultad, intentar aparentar que eres una persona sin preparación haciendo precisamente lo que estás haciendo. También son interesantes cuando el mundo del espectáculo se mira el ombligo y te muestra “por detrás” un rodaje o un teatro y se confunde la ficción con la meta-ficción. Un ejemplo recientes sería Barry, con un asesino a sueldo descubriendo su vocación teatral.

Este verano se ha estrenado la película Deep Cover, que tiene unos actores de improvisación como parte central de la trama, y aprovechando vamos a ver otras apariciones de la impro como parte de la trama de series y películas.

The Office

El papanatas de Michael Scott (Steve Carell) empieza a dar clases de impro (2×09 – E-mail Surveillance), sólo para demostrar que es el peor improvisador del mundo, imponiendo sus propuestas sacando siempre unas pistolas.

Cuando empezó en su carrera como actor, el artista de Queens estaba tan flipado con la improvisación que se fue a Chicago, a la escuela más importante de de USA: The Second City. Es famosa por ser la cantera de muchos cómicos de SNL, ya que por esta escuela han pasado actores y actrices como Tina Fey, Steve Carrell o Bill Murray… Según cuenta, un día fue a ver un show en el que Chris Farley le interpretó a él. Pero sus sueños de convertirse en improvisador de la compañía se vieron frustrados cuando a pesar de sus cualidades y su tiempo de formación no fue elegido en el elenco principal.

Unos años después hizo la película Swingers (de la que hablamos sobre el plagio que sufrió), en la que escribió el guión inspirado en su vida en Chicago y ahí despegó su carrera como actor. En esta, muchos de las conversaciones son improvisadas sobre un esquema prefijado por guión, dándole frescura a la química entre los actores.

Cuando dirigió la película Chef en 2004 (que también escribió y protagonizó), dio libertad a todo el elenco para improvisar. Ahí podemos ver a John Leguizamos y Sofía Vergara en conversaciones que se sienten vivas.

En 2008 fue el director de Iron Man (reservándose el papel de Happy Hogan) y ahí se estableció como uno de los grandes directores del mundo friki. Uno de sus aciertos fue dejar que Robert Downey Jr. hiciera suyo el personaje y dejarle improvisar algunos de los momentos más memorables y que lanzaron el MCU.

El resto de la carrera de Favreau ya es más conocida por todos, especialmente en la dirección (The Mandalorian), y seguramente podremos ver la frescura de dejar a un actor o actriz improvisando escenas en futuros proyectos…

Bola Extra: Jon Favreau en Friends

En 1996 interpretó en Friends al novio multimillonario de Mónica.

Han pasado 40 años desde que en 1983 la canción Maniac de Michel Sembello tuviera fama internacional al estar en la película Flashdance. Estuvo candidata al Oscar, pero no se lo llevó porque se lo llevó What a Feeling de la misma película.

No es la primera versión que se hace de la canción, su ritmo pegadizo (con esos sintetizadores tan propios de los 80) no te lo puedes quitar de la cabeza y puede seguir vigente durante muchos años. Sin necesidad de reversionados.

Era el año 1970, el compositor Sergio Mendes decidió construirse un estudio privado para grabar canciones en su casa de Encino, California. Para ello contrató a un carpintero (con poca experiencia, aunque él no lo sabía). Este carpintero, como se puede observar en la fotografía era Harrison Ford, que iba haciendo sus pinitos en Hollywood y necesitaba ingresos extra.

Mas info: El País – La imagen de Harrison Ford cuando era carpintero

Bola Extra: Mas que nada – Sergio Mendes

El DJ francés David Guetta sigue rescatando samples del pasado, pero con esta canción ya es salvaje, es simplemente reversionar el Blue de Eiffel 65 cambiando la letra de “estoy triste” a “estoy bien”.

Aquí tenéis el original para comparar